Студия Егора Чернорукова
 
Сайты
  Графдизайн
  Презентации
  Живопись
  Домены
  Хостинг
  Статьи
  Формула 1
 
 
  Главная  /  Статьи  /  Мастера мирового искусства  /

Джеймс Уистлер: «Я художник и „родился“ в Петербурге»

 
—  
—  
→  
—  
—  
—  
—  
—  
—  

  Джеймс Уистлер, англо-американский художник, родился 11 июля 1834 года в Лоуэлле, промышленном городе США. Пребывание в России во многом сказалось на формировании его таланта. В Петербург Уистлер приехал подростком осенью 1843 года, когда его отец, инженер-путеец, был приглашен царским правительством для строительства железной дороги, которая должна была соединить две столицы.

Д. Уистлер. «Автопортрет». Масло. 1871–1873.
Д. Уистлер. «Автопортрет».
Масло. 1871–1873.

Годы детства и юности, проведенные будущим художником в России, самые безоблачные и светлые годы в его полной потрясениями жизни. Северная Пальмира предстала перед ним в великолепии ее дворцов, блеске военных парадов, огнях фейерверков, освещавших вечернее небо столицы мириадами падающих звезд. Дом, где жили Уистлеры, находился близ грандиозных архитектурных ансамблей города. Впечатлительный мальчик всему отдавался с увлечением. Снежной русской зимой – катанию на коньках по льду Невы. Летом – путешествиям на лодке, прогулкам с матерью в Царском Селе и Петергофе, где Джимми приходил в восторг от Большого Каскада и статуи Самсона. Уистлер рано пристрастился к рисованию. Уроки мальчику стал давать А. Корицкий, вольноприходящий ученик Академии художеств. В 1845 году Джимми Уистлер благодаря полученной подготовке был принят сразу во второй класс академии и приступил к рисункам с гипсов. Академию тех лет принято называть «брюлловской». Корицкий, у которого Уистлер продолжал заниматься, был одним из близких учеников Брюллова. Отправленный в Лондон на каникулы, Джеймс пишет отцу о том, что собирается смотреть картоны Рафаэля: «Я бы хотел, чтобы Вы могли пойти со мной! И Корицкий тоже, как бы мы наслаждались». В 14 лет он твердо избирает путь художника.

Но в апреле 1849 года скоропостижно умирает отец. Мать с детьми и гробом мужа возвращается на родину, в Америку... Приходит конец систематическим занятиям искусством. Отдав дань семейным традициям, Уистлер учится три года в Уэст-Пойнтской военной академии, затем работает чертежником в Геодезическом управлении, где овладевает техникой офорта, необходимой для изготовления карт.

Д. Уистлер. «Портрет матери». Масло. 1871–1872.
Д. Уистлер. «Портрет матери». Масло. 1871–1872.

Осенью 1855 года Джеймс Уистлер с согласия родных уезжает в Париж, чтобы стать профессиональным художником. Он навсегда покидает Америку, лишь много лет спустя его произведения совершат путешествие через океан, чтобы занять достойное место в музеях.

В Париже Уистлер посещает мастерскую Ш. Глейра, сторонника академизма. Он пользовался уважением учеников, среди которых в 60–х годах были видные импрессионисты О. Ренуар, К. Моне, А. Сислей. Соученик Уистлера Д. Дюморье описал в романе «Трильби» мастерскую Глейра и изобразил Джеймса ленивым учеником, «королем бродяг», которому все прощалось за его обаяние. Однако «ленивец» всегда находил время, чтобы в Лувре на произведениях Рембрандта, Веласкеса, Хальса учиться благородной сдержанности колорита, пристальному вниманию к живому человеку. Этот щеголь сумел оценить реалистический пафос полотен Гюстава Курбе, и воздействие их на молодого художника было чрезвычайно благотворным.

Д. Уистлер. «Каприз в пурпурном и золотом». Масло. 1864.
Д. Уистлер. «Каприз в пурпурном и золотом». Масло. 1864.

Уже в 1858 году Уистлер публикует свои первые «Двенадцать офортов с натуры», сделанные в Париже, Лондоне и на Рейне, в которых ясно ощущаются уроки Рембрандта. Офорты сразу же завоевали популярность, а их автор предстал сложившимся мастером художественной гравюры, переживавшей в те годы период глубокого упадка.

Приемы Уистлера-офортиста были своеобразны и требовали повышенной остроты глаза и твердости руки. Обычно он рисовал непосредственно с натуры на небольших медных досках, работая в технике «сухой иглы», позволяющей достигать особой сочности и изящества красочных линий.

Д. Уистлер. «Гармония в зеленом и розовом». Масло. 1860.
Д. Уистлер. «Гармония в зеленом
и розовом». Масло. 1860.

В Лондоне в 1859–1860 годах Уистлер создает серию офортов «Темза», где стремится отразить поэзию труда. Особенно удачен офорт «Пристань Черного Льва». В картине «Уоппинг» он решает ту же тему в живописи.

Полотно «У рояля» 1859 года получило одобрение Курбе. На нем изображены близкие Уистлеру люди – сестра Дебора и ее дочь Анни. Тему домашнего «музыкального концерта», часто встречающуюся в голландской живописи, художник решает по-своему, совмещая ее с темой материнства. Картина написана в сдержанной цветовой гамме. Целостность достигается тонко прочувствованной градацией света и тени, гармонией чуть приглушенных контрастов, одновременно тональных и цветовых (черного и белого, темно-красного и светло-зеленого). Композиция строится почти по классическим канонам: фигуры матери и дочери, склоненные к роялю, вписываются в треугольник, вершина которого выходит за край полотна. Повторы горизонтальных линий пола, корпуса рояля, рам на стене создают второй, более слабо намеченный ритм.

«Симфония в белом № 1. Девушка в белом», решенная в необычайной для тех лет осветленной гамме. Сейчас нам трудно поверить, что холст, выставленный вместе с «Завтраком на траве» Э. Мане в «Салоне отверженных», вызывал смех у зрителей, приученных к поверхностной литературности в живописи.

Д. Уистлер. «Девочка в белом». Масло. 1864.
Д. Уистлер. «Девочка в белом».
Масло. 1864.

Первым среди европейских художников Д. Уистлер испытал увлечение искусством Японии и Китая. В цветных японских гравюрах на дереве его привлекала неожиданность и острота композиционного решения, выразительность ракурсов, радостные краски. Увлечение экзотическим Востоком он стремится передать в своих произведениях «Принцесса страны фарфора», «Каприз в пурпурном и золотом. Золотая ширма», «Пурпур и розовое. Ланге Лизен шести марок». Завершает эти картины «Симфония в белом № 2. Девочка в белом», созданная в 1864 году.

На полотне – Джо Хайфермен, рыжеволосая ирландка, постоянная натурщица Уистлера в те годы. Вокруг нее мир экзотических вещей – японский веер, китайская ваза сине-белого фарфора, ветки цветущей азалии. Мы ощущаем душевную ясность модели. Жемчужно-белые оттенки платья Джо в сочетании с насыщенными цветовыми пятнами – синими, красными, розовыми, золотистыми, черными – создают мажорное, чуть приглушенное звучание этой «симфонии».

Глубокое чувство водило рукой художника, когда он создавал портрет своей матери в 1871 году. Он решает колорит картины как «аранжировку в сером и черном». В композиции ясно использует четкие формы прямоугольников (стена, рамка картины, темная драпировка слева). Черное платье пожилой женщины вписывается в треугольник, одна из его сторон совпадает с диагональю картины, ритм восходящих светлых пятен ведет взгляд зрителя к центру картины – чистому профилю лица. Художник сознательно идет на повторение этого композиционного и колористического решения при портретировании английского историка и философа Томаса Карлейля. В людях, проживших большую трудную жизнь, он почувствовал и смог передать сохраненную юность души – «вечно женственной» на портрете матери и мятежной на портрете Карлейля.

Д. Уистлер. «Старый мост в Баттерси». Масло. 1872–1875.
Д. Уистлер. «Старый мост
в Баттерси». Масло. 1872–1875.

Над полотном «Гармония в сером и зеленом. Мисс Сесили Александер» художник работал в продолжение 70 сеансов. Создавая образ юного существа, вступающего в жизнь, Уистлер, несомненно, шел от инфант Веласкеса. Нежной поэтичностью проникнут и портрет миссис Лейланд, выдержанный в светлых оттенках розоватых тонов. Живописец постепенно вырабатывает тип светского портрета, который он будет развивать в дальнейшем.

К этому времени технические приемы Уистлера уже сложились. Художник писал большими кистями на длинных рукоятях и наносил мазки сильными быстрыми ударами. Вместо палитры он пользовался маленьким столиком, в центре которого располагал белила, влево от них – лимонно-желтую, кадмий, охру светлую, сиену натуральную, умбру натуральную, кобальт, ультрамарин и разновидность берлинской лазури, вправо – киноварь, венецианскую красную, индийскую красную, краплак и черную жженую слоновую кость. Зеленые краски отсутствовали. Слоновую кость, дающую в разбеле красивый перламутровый тон, Уистлер по примеру Ш. Глейра использовал в качестве «всеобщего гармонизатора», вводя ее почти во все красочные смеси. Грунтовал холсты он смесью белил и слоновой кости.

Следуя заветам Глейра и передавая их затем своим ученикам, Уистлер сначала тщательно подбирал основные тона для лица, волос, одежды, фона – в свету, полутени и тени. Полученные смеси он хранил в баночках, заливая сверху водой. Добиваясь единства и свежести исполнения, мастер работал одновременно над всей поверхностью холста, а не заканчивал произведение по частям. При нарушении правильного соотношения тонов в своих «симфониях» и «аранжировках» он не довольствовался частичными исправлениями, а уничтожал все написанное, иногда не один раз.

Д. Уистлер. «Принцесса страны фарфора». Масло. 1863.
Д. Уистлер. «Принцесса страны
фарфора». Масло. 1863.

Творчество декоратора Д. Уистлер ценил не меньше своих картин. Он одним из первых понял значение света и пространства в современном интерьере и отказался от темных обоев, пышных драпировок, перегруженности мебелью. При оформлении выставок Уистлер вводит принцип разреженного развешивания картин. Единственным сохранившимся интерьером стала знаменитая «Павлинья комната» – столовая в доме Лейландов. Там должна была висеть картина Уистлера «Принцесса страны фарфора», и он, работая почти без эскизов, с двумя помощниками исполнил роспись, желая создать нечто «совершенно новое, очень пышное, хотя и изысканное». Роспись «Павлиньей комнаты» предвещает панно стиля модерн конца XIX – начала XX века. В мотиве золотых птиц, раскинувших пышные хвосты с сотнями «глазков», в насыщенном синем цвете фона можно увидеть переосмысленные в сказочном ключе темы фейерверков в ночном небе над Темзой, которые Уистлер так любил воспроизводить в своих пейзажах-ноктюрнах».

К поэтическому отображению вечерней и ночной Темзы, ее старых мостов, огней над рекой художник шел от петербургских впечатлений юности, от гравюр японских мастеров. Так, в «Ноктюрне в синем и золотом» сказалось знакомство Уистлера с гравюрой Хиросиге «Склады бамбука у моста Кёбаси». В свою очередь, «фейерверки» русского художника К. Сомова будут перекликаться с работами Уистлера. Первоначально он пытался делать наброски мелом на коричневой бумаге, но впоследствии полагался только на зрительную память. Для работы Уистлер использовал небольшие холсты или дощечки с красным, темно-красным, темно-синим и черным грунтом. Он писал маслом, но очень жидко, как бы в технике акварели, добиваясь нужных эффектов освещения.

Д. Уистлер. «Портрет Д. Карлейля». Масло. 1872–1873.
Д. Уистлер. «Портрет Д. Карлейля». Масло. 1872–1873.

Созданные мастером произведения были не только фактами биографии, но во многом определяли самую его жизнь. «Ноктюрн в черном и золотом. Па дающая ракета» 1875 года вызвал нападки известного критика Д. Рескина, обвинившего автора в том, «что он швырнул в лицо публике горшок с краской». В результате – судебный процесс, хотя и выигранный Уистлером, но приведший к его полному разорению. В мае 1879 года для оплаты судебных издержек и других долгов на аукционе за бесценок были проданы его работы, дом и восточные коллекции.

Д. Уистлер. «Гармония в сером и зеленом». Масло. 1873.
Д. Уистлер. «Гармония в сером
и зеленом». Масло. 1873.

В эти месяцы Уистлер живет в Венеции, работая над офортами и пастелями. Хотя выставка венецианских работ, которым была присуща особая воздушность и мягкость, прошла в Лондоне с большим успехом, враждебность со стороны критики все возрастала. Художник не только получал, но и наносил удары. Он делал это талантливо, его парадоксы об искусстве с успехом использует потом молодой писатель Оскар Уайльд. Но в самом художнике произошел душевный надлом. По-прежнему все созданные им работы окутаны поэзией, им присуща особая свежесть и безупречный, изысканный колорит.

Но ушла сила, чаще встречаются композиционные повторы, погрешности в рисунке фигур порой назойливо напоминают о себе. С годами пришло признание, успех, появились почитатели, богатые заказчики. «Портрет матери» приобрело французское правительство, портрет Т. Карлейля занял почетное место в Художественной галерее в Глазго.

Как когда-то в юности, на склоне лет в жизнь Уистлера еще раз вошла Россия. В январе 1899 года художница А. Остроумова, ученица Репина по Академии художеств, пришла в живописную мастерскую Уистлера в Париже. На ее вопрос, у кого ей учиться искусству гравюры, престарелый художник сказал: «...Я не могу научить вас искусству, его постигают наедине или совсем не постигают».



  Еще в этом разделе можно почитать статьи:

—  
—  
—  
—  
—  
—  

 
 


Copyright © 2002–2011
Студия Егора Чернорукова



 

 

Телефон: (831) 414-78-66
Почта: info@chernorukov.ru